Edvard Munch: une peinture entre amour et mort

Edvard Munch est l'un des artistes les plus importants et les plus influents de l'art moderne. Son travail connaît un succès particulier en Allemagne et dans les pays scandinaves, où il est considéré comme l'un des plus grands artistes expressionnistes.

Edvard Munch: une peinture entre amour et mort

Edvard Munch était un peintre et graveur norvégien , dont le travail évoque intensément des thèmes psychologiques. En tant que peintre, il est associé au mouvement symboliste de la fin du XIXe siècle.



Munch a eu une énorme influence dans l'expressionnisme allemand du début du XXe siècle. Sa célèbre place Le cri (1893) est considéré comme un symbole de l'angoisse spirituelle contemporaine.



Edvard Munch

Enfance et jeunesse

Edvard Munch est né le 12 décembre 1863 à Loten, en Norvège. Sa famille bourgeoise était en mauvaise santé. Sa mère est décédée quand il avait cinq ans, sa sœur aînée quand il avait 14 ans, tous deux de tuberculose.

Munch a réussi à transposer ce thème dans sa première œuvre d'art, L'enfant malade , en 1885. Le père et le frère de Munch sont également morts alors qu'il était encore jeune. La seule sœur restée en vie a été frappée quelque temps plus tard par une maladie mentale .



Les exposants de la symbolisme ils croyaient à l'amour libre et, en général, s'opposaient à la vision limitée de la bourgeoisie. Christian Krohg, l'un des premiers peintres du cercle Kristiania Bohème, a donné des instructions et de l'inspiration à Munch.

Munch a pu surmonter l'esthétique naturaliste prédominante de Kristiania à un stade précoce. Cela a été possible avant tout grâce à son contact avec Impressionnisme français , à la suite d'un voyage à Paris qu'il a effectué à l'âge de 26 ans.

Sans aucun doute, il a été fortement influencé par le travail des peintres post-impressionnistes Paul Gauguin et Henri Toulouse-Lautrec. Il a fait sienne l'ambition des artistes synthésistes d'aller au-delà de la description de la nature extérieure et pour façonner une vision intérieure.



Maturité artistique par Edvard Munch

Le style profondément original de Munch a été consolidé vers 1892. Pendant cette période, l'utilisation fluide et tortueuse de la ligne dans ses nouvelles peintures a acquis des caractéristiques similaires à celles de l'Art nouveau contemporain.

mais encore Munch a fait de la ligne un usage non décoratif, mais comme un lien pour une profonde révélation psychologique. L'émotion violente et les images non conventionnelles de ses peintures, en particulier les siennes représentations audacieuses de la sexualité , a créé un débat amer.

L'indignation résultant de l'incompréhension de son travail par la critique norvégienne fait écho au critique berlinois. Cela s'est produit lorsque Munch a exposé un grand nombre de ses peintures à Berlin, en 1892, à l'invitation de l'Union des artistes de Berlin.

Même les critiques ont été offensés par sa technique innovante, qui pour la plupart d'entre eux semblait incomplète. Le scandale, cependant, a contribué à répandre sa renommée dans toute l'Allemagne, et à partir de ce moment, sa réputation a explosé.

Munch a vécu principalement à Berlin en 1892-95 puis à Paris, de 1896 à 1897; il a continué à bouger pendant longtemps, jusqu'à ce qu'il s'installe en Norvège en 1910.

Le cycle de l'amour et de la mort est Le cri

Au centre de l'héritage laissé par Munch se trouve sa série de peintures consacrées à l'amour et à la mort. Le noyau d'origine se composait de six peintures exposées en 1893 et ​​la série aurait été enrichie de 22 œuvres avant l'inauguration de l'exposition . La première exposition de la série porte le titre La frise de la vie , à l'occasion de la Sécession berlinoise de 1902.

Munch réarrangeait régulièrement ces tableaux et s'il en avait à vendre, il en élaborait une nouvelle version. C'est pourquoi dans de nombreux cas, il existe différentes versions peintes et impressions basées sur la même image.

Bien que le Frise de vie est essentiellement basé sur l'expérience personnelle, les thèmes qu'il représente sont universels. L'ouvrage ne décrit pas un homme ou une femme en particulier, mais des hommes et des femmes en général. Son travail touche ici le thème de l'expérience humaine et la grande force des éléments naturels.

Suite à une observation séquentielle de cette série de tableaux, un récit implicite émerge d'un réveil, d'une floraison et d'un dépérissement de l'amour, suivis du désespoir et de la mort.

Ouvriers
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Le cri

Dans beaucoup de ses tableaux, la puissance de l'image prend des dimensions plus élevées grâce à l'espace enfermé de manière claustrophobe et à la perspective soudainement hâtive. L'exemple de ce type de perspective dramatique devient Le cri , L'œuvre la plus célèbre de Munch.

Le cri est inspiré par une expérience hallucinante dans laquelle Munch a dit avoir entendu et écouté un 'cri de toute nature'. Il représente une créature paniquée, qui ressemble en même temps à un sperme ou à un fœtus dont les contours font écho aux lignes tourbillonnantes du ciel rouge sang.

Mes problèmes font partie de moi et donc de mon art. Ils sont inséparables de moi et leur résolution détruirait mon art. Je veux garder cette souffrance vivante.

-Edvard Munch-

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Dans cette peinture, l'angoisse s'élève à un niveau cosmique. L'angoisse de la peinture est finalement associée aux réflexions sur la mort et au vidage du sens , qui devait être fondamentale pour l'existentialisme.

La première version due de Le cri rapporter la date de 1893. Munch a créé une autre version en 1895 et en a terminé une quatrième en 1910.

Le travail graphique de Munch

Son art avait des affinités évidentes avec la poésie et le théâtre de son temps. Des comparaisons intéressantes peuvent également être faites avec le travail des dramaturges Henrik Ibsen et August Strindberg, qu'il a dépeint en deux œuvres.

La production de masse d'art graphique de Munch a commencé en 1894. Son travail graphique se composait de gravures, lithographies et gravures sur bois .

Son attrait pour la gravure était principalement dû à la possibilité offerte par cette forme d'art de communiquer son message à un plus grand nombre de personnes. La gravure lui a également permis d'élargir les possibilités d'expérimentation.

Son manque de formation officielle sur quelque support graphique que ce soit a sans aucun doute été un facteur qui l'a poussé vers de nouvelles techniques extrêmement innovantes.

Comme beaucoup de ses contemporains, il a été influencé par la tradition japonaise dans l'utilisation de la gravure sur bois. Cependant, il a grandement simplifié le processus, par exemple en imprimant à partir d'un seul bloc de bois coupé en petits morceaux.

L'utilisation par Munch de la véritable essence du bois à des fins expressives a été une expérience particulièrement réussie et a eu une grande influence sur les artistes qui lui ont succédé.

Les dernières années d'Edvard Munch

Le peintre a été hospitalisé à plusieurs reprises entre 1905 et 1909 en raison de son alcoolisme associé à la dépression et aux délires suicidaires.

Il était souvent impliqué dans des épisodes violents, des échauffourées, des bagarres et des agressions. Une bagarre avec un autre peintre l'a contraint à l'exil de sa patrie pendant 4 ans. Plusieurs de ses toiles rappellent cette dispute.

Une commande particulièrement importante, qui marqua l'appréciation tardive de l'artiste en Norvège, concernait les peintures murales de l'Université d'Oslo (1909-16). La pièce maîtresse de cette série était une grande représentation du soleil, flanquée d'images allégoriques.

On pourrait dire que c'est surtout son travail des années 1890 qui a donné forme aux forces psychologiques mystérieuses et dangereuses qui caractériseraient l'art moderne.

Munch, juif toute sa vie, était un artiste rejeté en raison du nazisme européen croissant. En 1937, son travail a été inclus dans l'exposition nazie «art dégénéré», comme un exemple de perversion artistique juive.

La maladie, la folie et la mort étaient les anges noirs qui veillaient sur mon berceau et qui m'ont accompagné tout au long de ma vie.

-Edvard Munch-

Munch est décédé le 23 janvier 1944 à Ekely, près d'Oslo. Le peintre a laissé son domaine et toutes ses peintures, gravures et dessins à la ville d'Oslo.

La ville a inauguré le musée Munch en 1963, à l'occasion du centenaire de sa naissance. La plupart des plus grandes œuvres sont conservées à la National Gallery d'Oslo.

Lutte contre la mort d'Edvard Munch
Lutte contre la mort

L'héritage d'Edvard Munch

Le dévouement de Munch à l'essence émotionnelle a conduit à certaines occasions à simplifications radicales de la forme et utilisation expressive plutôt que descriptive de la couleur. Toutes ces tendances ont été acquises par plusieurs jeunes artistes, en particulier par les principaux défenseurs de l'expressionnisme allemand.

De mon corps en décomposition, des fleurs pousseront et je vivrai en elles. C'est l'éternité.

-Edvard Munch-

On pourrait dire que son influence formelle la plus directe sur l'art de la postérité est visible dans le contexte des gravures sur bois. Son héritage le plus profond pour l'art moderne , cependant, réside avant tout dans son idée que l'art avait pour but d'aborder les aspects universels de l'expérience humaine.

Son travail continue de parler de la situation typiquement moderne de l'individu face à l'incertitude d'un monde contemporain en mutation rapide.

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Bibliographie
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